Mark Raidpere

Mark Raidpere

Napoli.ok

A cura di Eugenio Viola

Fondazione Morra Greco, Napoli

Mercoledì 17 ottobre, alle ore 19:00, inaugura Napoli.ok, progetto site specific che Mark Raidpere presenta per la sua seconda personale negli spazi della Fondazione Morra Greco di Napoli. Il lavoro di Raidpere indaga con straordinaria sensibilità ed efficacia i dilemmi e le inquietudini dell’animo umano, la sua solitudine incoercibile, il suo tragico destino. La ricerca dell’artista parte spesso dal proprio universo familiare o assume precise connotazioni sociali, concentrandosi su persone ai margini, su fenomeni di violenza urbana o episodi da vita di strada. Tematiche differenti confluiscono in una progettualità complessa, che dal particolare è tesa a indagare, più in generale, le lacerazioni e le contraddizioni della realtà a noi contemporanea.

Le opere in mostra ben restituiscono questa complessità, rilevando motivi di continuità e divergenze nel passato e nel presente della ricerca dell’artista. Lavori quasi tutti nati da un periodo di residenza che Raidpere ha trascorso in città la scorsa estate. Di qui il titolo, tra il serio e il faceto, preso in prestito dal nome del folder sul computer nel quale Raidpere riponeva gli scatti che selezionava dopo le sue incursioni nel Ventre di Napoli.

L’artista estone ha creato negli anni una propria cifra stilistica inconfondibile, sospesa tra sfera pubblica e privata, oggettivamente documentaria ma allo stesso tempo onirica e visionaria. Raidpere adotta uno sguardo deliberatamente introspettivo nei lavori autobiografici, aprendo uno squarcio impietoso sulla propria vita privata: 09/12/07 - 05/04/09 (2009), è un video dalla semplicità quasi ipnotica, ossessiva, che racconta della reciproca incomunicabilità col padre, motivo topico che ritroviamo anche in lavori precedenti come Dedication (2008), incentrato sul rapporto tra il padre e la madre o il suggestivo Father (2001), in cui il genitore dell’artista è colto nella solitudine melanconica della propria intimità domestica.

In occasione della mostra napoletana l’artista presenta inoltre alcune fotografie, medium che caratterizza il lavoro di Raidpere agli esordi: famosi gli autoritratti della serie Io (1997), in cui l’artista esibisce il proprio corpo nudo e tormentato dalla postura irrequieta, che comunica dolore e alienazione. Per la prima volta dopo diversi anni, Raidpere espone anche una nuova serie di autoscatti, meno drammatici e più autoironici, tutti realizzati a Napoli. L’obiettivo di Raidpere coglie attimi rivelatori e inaspettati, si perde nei meandri dei vicoli, ne registra impressioni e sfumature che restituiscono un microcosmo di accadimenti improbabili, a prima vista ironici ma che in realtà cedono il passo, ad uno sguardo più attento, a sentimenti contrastanti, sospesi tra decadimento e solitudine, paura e rimpianto, bellezza e sofferenza, vulnerabilità e isolamento, emarginazione e decadenza, separazione e distacco.

Mark Raidpere (Tallinn 1975, dove vive e lavora), è probabilmente tra gli artisti estoni più rappresentativi della sua generazione e tra i più riconosciuti a livello internazionale. Ha esposto in numerosi musei ed istituzioni in Europa e in America, tra cui: al Witte de with di Rotterdam, al Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig -MUMOK , di Vienna, al Centro Galego de Arte Contemporánea di Santiago de Compostela, 2009; al CCS Bard Hessel Museum, Annandale-on-Hudson, NY, 2008; al Kumu Art Museum, Tallinn, Estonia 2007; alla galleria Michel Rein, Parigi, 2006-08; all’Arts Santa Mònica di Barcelona, 2008; alla III Biennale di Praga, 2007; al Russian Centre for Contemporary Arts di Mosca, a Platform Garanti, Istanbul e al Kiasma di Helsinki, 2006.  Ha rappresentato l’Estonia alla 51. Biennale di Venezia (2005).

Radici. Memoria, identità e cambiamento nell’arte di oggi

RADICI. Memoria, identità e cambiamento nell’arte di oggi

A cura di Eugenio Viola

Marina Abramović, Jota Castro, Sam Durant, Regina Josè Galindo Carlos Garaicoa, Alfredo Jaar, Mariangela Levita, Moataz Nasr, Giulia Piscitelli, Bert Rodriguez, Santiago Serra

Castelbasso (TE) Fondazione Malvina Menegaz per le Arti e le Culture

Palazzo De Sanctis

30 giugno – 2 settembre 2012

RADICI è una mostra che prende le mosse dal luogo per cui è stata pensata, Palazzo De Sanctis, ubicato nel cuore di Castelbasso. Questo progetto rappresenta pienamente il senso dell’impegno della Fondazione che lo sostiene: riscoprire, nel recupero architettonico, sociale e culturale di Castelbasso, le sue radici, con l’obiettivo di metterle nuovamente in relazione con i suoi abitanti e attori istituzionali.

Le radici in botanica sono propriamente l’apparato sotterraneo di una pianta che ha la funzione di sostenerla e di alimentarla. Per estensione il termine indica ciò da cui ha origine qualcosa, il suo principio e allo stesso tempo la sua causa, da qui le espressioni “andare alla radice di un problema”, o ancora “andare alla scoperta delle proprie radici”, ovvero delle proprie origini.

La metafora delle radici attraversa tutta la filosofia occidentale, simbolicamente da Empedocle a Deleuze e Guattari. Il primo definisce ριζώματα (rizòmata), "radici" di tutte le cose, l’aria, l’acqua, la terra e il fuoco, quattro elementi “immutabili ed eterni” che danno luogo alla realtà e le conferiscono stabilità. In un contesto radicalmente modificato, Gilles Deleuze e Felix Guattari contrappongono la concezione rizomatica del pensiero a quella tipica della filosofia tradizionale, che procede gerarchicamente e linearmente, seguendo rigide categorie binarie. Il pensiero rizomatico, invece, è in grado di stabilire connessioni produttive in qualsiasi direzione, delineando “un sistema acentrato, non gerarchico e non significante […] definito unicamente dalla circolazione di stati”, espressione di un pensiero connettivo che propone nuove ipotesi di collegamento tra elementi, fenomeni e dati. Un sistema che torna prepotentemente attuale nella società odierna, massmediatica e globalizzata.

L’immagine che oggi si può associare immediatamente al rizoma è senza dubbio quella della rete. Si parla sempre più spesso di società di rete o “network society”, per indicare come le modalità di connessione orizzontale, grazie alle possibilità offerte dalle nuove tecnologie, possano svilupparsi a scapito delle modalità organizzative gerarchiche, in passato necessarie oltre una determinata soglia di complessità.

Nella mostra RADICI il portato della tradizione con i suoi valori, il bagaglio culturale di cui si fa testimone, e il passato che rappresenta, diventano fondamentali all’interno di una narrazione visiva che va ad interagire con il presente.

Marina Abramović, Jota Castro, Sam Durant, Regina Josè Galindo, Carlos Garaicoa, Alfredo Jaar, Mariangela Levita, Moataz Nasr, Giulia Piscitelli, Bert Rodriguez e Santiago Sierra sono artisti diversi per sensibilità e ricerche, interpreti paradigmatici dell’attualità e dei suoi cambiamenti, il cui lavoro diventa rappresentativo della comprensione della realtà e dei suoi nodi più significativi, delle sue lacerazioni e contraddizioni.

RADICI – dichiara Eugenio Viola – indaga la contemporaneità e il suo portato gravoso di cambiamenti sociali, economici, culturali e politici. Esplora la ricchezza della cultura e il senso della storia, sottolineando il cambiamento del sistema dei valori, l’attaccamento o lo sradicamento dal territorio, l’erosione dell’eredità e alle volte il conseguente isolamento culturale. Radici propone il lavoro di artisti che provengono da background differenti, dotati di una capacità non comune di concatenarsi al nostro presente, il cui lavoro si pone oltre la rappresentazione stereotipata di nostalgia e folklore, offrendosi piuttosto come un tentativo di giustapporre un’esperienza visiva e culturale sospesa tra passato e presente, che chiama contemporaneamente in questione le nozioni di memoria, identità e cambiamento.

Milica Tomić. One Day

MILICA TOMIC

ONE DAY

A CURA DI EUGENIO VIOLA

Galleria z2o, ROma

z2o Galleria è lieta di presentare la prima personale in Italia di Milica Tomic, artista nata nella ex-Jugoslavia, dopo l’Abramovic tra le personalità che dominano il panorama artistico dell’est europeo per la sua arte performativa.

Con il titolo One Day l’artista prosegue una performance, documentata con foto e video, iniziata nel 2009 a Belgrado, poi a Copenaghen per approdare infine a Roma con un progetto realizzato appositamente per la mostra in galleria.

Milica Tomic appartiene ad una generazione di artisti che negli anni Novanta è stata costretta ad identificarsi e riconoscersi in base all’appartenenza ad uno stato e ad una nazionalità. Una generazione che partendo da una determinata origine geografica e culturale si è necessariamente confrontata con le ideologie politiche e con la storia, ponendosi una serie di domande divenute ineliminabili per la loro pratica. Una condizione vissuta come una parte imprescindibile della vocazione artistica, quasi una parte del proprio destino.

Si possono elaborare esteticamente la politica e la storia? L’artista può, deve essere politico o apolitico? Può l’artista avere una propria, personale, visione della storia?

A queste domande Milica Tomic risponde con una rilettura caustica del passato e delle sue stratificazioni, dei suoi simboli e segni, elaborati attraverso una complessità di riferimenti in cui la storia stessa e gli avvenimenti ad essa correlati sono inseriti in un contesto mentale aperto, vitale, conflittuale se non deliberatamente provocatorio. Partendo dal trauma della disgregazione dell’ex Jugoslavia Tomic indaga, in maniera spesso autobiografica, la violenza politica e mediatica filtrata attraverso l’esperienza individuale e collettiva.

Emblematico del suo modus operandi è il progetto One Day (2009-12), iniziato a Belgrado con un’azione pubblica e non autorizzata, durante la quale l’artista passeggia in città ostentando una mitragliatrice sotto il braccio, con estrema naturalezza, al pari di un sacchetto del supermercato o di un ombrello, e ripercorre i luoghi battuti dai partigiani del Movimento di Liberazione Nazionale durante la seconda guerra mondiale contro le truppe fasciste. Un’azione non autorizzata che l’artista ripete a Copenaghen e infine a Roma ribattendo, con la stessa procedura, luoghi diversi in tempi diversi, tutti accomunati dal ricordo della resistenza antifascista.

In One Day la virtù cinematica di elidere tempi e spazi diversi è spinta all’estremo da Tomic, secondo una strategia che definisce “paesaggio artificiale” o “geografia creativa”, espressioni mutuate dall’omonima tecnica di montaggio cinematografico inventata da Lev Kuleshov negli anni Venti. Il tempo presente dell’azione incontra il tempo passato della memoria fondendosi in un unico, incoercibile presente, abitato da violenze e soprusi antichi che riverberano nel rinfocolarsi di vecchie e nuove intolleranze, nella nuova barbarie del terrorismo ma anche nell’ipocrisia, nel conformismo, nell’indifferenza o nella rabbia. Una condizione che l’artista definisce di “guerra permanente”, termine trotzkista tornato in auge negli ultimi anni per definire, ironia della storia, la realpolitik americana. “Questo nuovo tipo di guerra ha introdotto uno specifico meccanismo di criminalizzazione ed ha anche ridefinito particolari gruppi etnici, stati, gruppi religiosi e organizzazioni politiche al di fuori della legge – dichiara l’artista – un’epoca di guerra permanente che lascia una questione aperta: chi è il terrorizzato e chi il terrorista?” (M.Tomic).

Marina Abramović. The Abramović Method

MARINA ABRAMOVIĆ

The Abramović Method

a cura di Diego Sileo ed Eugenio Viola

21 marzo - 10 giugno 2012

PAC Padiglione d’Arte Contemporanea

Il PAC di Milano, dal 21 marzo al 10 giugno 2012, è lo spazio espositivo prescelto da Marina Abramović per il suo nuovo attesissimo lavoro, il primo dopo la grande retrospettiva del 2010 al MoMA di New York.

L’evento, promosso dall’Assessorato alla Cultura, Moda e Design del Comune di Milano e prodotto dal PAC Padiglione d’Arte Contemporanea e da 24 ORE Cultura - Gruppo 24 ORE, è curato da Diego Sileo ed Eugenio Viola.

Icona di tutte le forme di espressività legate al corpo, Marina Abramović è oggi uno dei protagonisti più affascinanti e magnetici del nostro tempo, dalla cui vicenda artistico-esistenziale è imprescindibile la storia stessa delle arti performative. Pioniera della performance dagli anni '70, premiata con il Leone d’Oro alla Biennale del 1997, l’artista ha spesso superato i propri limiti fisici e psicologici, ha messo in pericolo la sua incolumità, infranto schemi e convenzioni, scavato nelle proprie paure e in quelle di chi la osservava, portando l'arte a contatto con l'esperienza fisica ed emotiva, collegandola alla vita stessa.

The Abramović Method nasce da una riflessione che Marina Abramović ha sviluppato partendo dalle sue ultime tre performance: The House With the Ocean View (2002), Seven Easy Pieces (2005) e The Artist is Present (2010), esperienze che hanno segnato profondamente il suo modo di percepire il proprio lavoro in rapporto al pubblico.

“Nella mia esperienza, maturata in quaranta anni di carriera, sono arrivata alla conclusione che il pubblico gioca un ruolo molto importante, direi cruciale, nella performance”, dichiara Marina Abramović. “Senza il pubblico, la performance non ha alcun senso perché, come sosteneva Duchamp, è il pubblico a completare l’opera d’arte. Nel caso della performance, direi che pubblico e performer non sono solo complementari, ma quasi inseparabili”.

Con The Abramović Method è proprio il pubblico, guidato e motivato dall’artista, a vivere e sperimentare le sue “installazioni interattive”. Le opere – con cui il pubblico può interagire rimanendo in piedi, seduto o sdraiato – sono impreziosite da vari minerali: quarzo, ametista, tormalina. Un percorso fisico e mentale che trasforma gli spazi del PAC in un’esperienza fatta di buio e luce, assenza e presenza, percezioni spazio-temporali alterate. Un percorso dove le persone potranno espandere i propri sensi, osservare, imparare ad ascoltare e ad ascoltarsi.

Per enfatizzare il ruolo ambivalente di osservatore e osservato, di attore e spettatore, Marina Abramović ha scelto di mettere alla prova il pubblico anche nell’atto apparentemente semplice dell’osservazione distante: una serie di telescopi, permettono ai visitatori di osservare dal punto di vista macroscopico e microscopico coloro i quali scelgono di cimentarsi con le interactive installations.

È questo il “Metodo Abramović”, che l’artista ha sperimentato su se stessa in anni di dedizione e ferreo autocontrollo. Un processo il cui climax è rappresentato dall’estenuante performance realizzata al MoMA nel 2010, dal titolo The Artist is Present. In questa pièce, il più lungo assolo realizzato da Abramović finora, l’artista si esibiva ogni giorno nelle ore di apertura del museo: seduta in assoluto silenzio a un tavolo nell’atrio, invitava i visitatori a sedersi di fronte a lei per tutto il tempo desiderato, nell’ambito degli orari del museo. L’artista non aveva alcuna reazione di fronte ai partecipanti, tuttavia il loro coinvolgimento costituiva il completamento dell’opera, permettendo loro di vivere un’esperienza personale con l’artista e con la performance stessa.

Un’installazione monumentale, proposta per la prima volta in Italia, ricostruisce questa performance memorabile, accogliendo i visitatori e al tempo stesso introducendo lo scenario del “Metodo Abramović”.

Questo metodo è nato dalla consapevolezza che l’atto performativo è in grado di operare una trasformazione profonda in chi lo produce, ma anche nel pubblico che lo osserva. In un’epoca in cui il tempo è un bene davvero prezioso, ma altrettanto raro, Marina Abramović chiede allo spettatore/attore di fermarsi e fare esperienza del “qui e ora”, di ciò che prima di tutto lo riguarda: se stesso e il modo di relazionarsi con ciò che lo circonda.

Una selezione di opere del passato, che ne condividono gli stessi principi, aiuterà i visitatori ad approfondire il “Metodo Abramović”. Da Dozing Consciousness (1997) a Homage to Saint Therese (2009), i suoi lavori sono accomunati dalla ricerca instancabile di un’espansione “energetica” della percezione, che contamina tradizioni e saggezze arcaiche con la realtà contemporanea.

Il catalogo, a cura di Diego Sileo ed Eugenio Viola, è pubblicato da 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE con testi dei due curatori, di Renato Barilli, Achille Bonito Oliva, Germano Celant, Gillo Dorfles, Antonello Tolve, Angela Vettese.

L’opera è pubblicata in due volumi. Il primo, Italian Works, contiene le performance realizzate in Italia da Marina Abramović. Un gruppo di opere che si snoda lungo quarant’anni di carriera a testimoniare il rapporto privilegiato che l’artista ha avuto con il nostro paese, dove ha realizzato alcuni dei suoi lavori più famosi, più coraggiosi, più innovativi nonché i più celebrati. Il secondo invece, incentrato unicamente su tutto il processo che ha portato alla realizzazione del “Metodo Abramović.”

Maria Jose Arjona. All the others in Me

Maria José Arjona

All the others in me

a cura di Eugenio Viola

Voice Gallery e Riad Dar Chérifa

Evento collaterale ufficiale della 4° Biennale di Marrakech

Il corpo nel lavoro di Maria José Arjona è sempre centrale, potente mezzo di comunicazione visiva, scambio di energia e produttore di significato. È un corpo che indaga, attraverso gesti ripetitivi e non gerarchizzati, i concetti di spazio e tempo.

Il nostro presente è attraversato da fenomeni complessi come il multiculturalismo, che ha portato al superamento dei concetti tradizionali di identità, fenomeni che favoriscono un rapporto simbiotico e ibridativo con l'Altro. Processi inarrestabili, sclerotizzati dalla società massmediatica e dall’ipertesto virtuale.

Nel lavoro di Maria José Arjona il corpo interagisce con lo spazio per creare un’esperienza che cortocircuita corporeità e risposte cognitive, dove lo spettatore diventa il catalizzatore di uno scambio sensoriale, oltre i confini di identità e rappresentazione. Una pratica impegnata quella dell’artista colombiana, atta a trasgredire e trasformare le limitazioni imposte dalla società agli individui e causate dalla violenza e dalla paura, sensazioni sempre più presenti, purtroppo, nella società contemporanea.

All the others in me è una performance che getta un ponte tra i fraintendimenti. È un lavoro che non può indicare, non può proporre soluzioni definitive ma offrire piuttosto una panoramica, un punto di vista su come percepiamo l’alterità e le differenze.

La distanza e le diversità culturali sono spesso create intenzionalmente, alimentate, alterate e manipolate dai mass media e dagli altri sistemi di controllo, pongono gli individui in una condizione di sottomissione, uniformata sotto la lente deformante di quella che chiamiamo, “società dell’informazione”.

All the others in me visualizza queste transizioni di pensiero che noi vediamo, viviamo e assorbiamo continuamente, senza mai metterle in discussione. Propone una visione sincretica di alcune tra le più stereotipate visioni del corpo femminile e della sua percezione nella società, occidentale e non. Il corpo dell’artista si propone come risultato di un’entità meticciata e continuamente in transito, intraprende un viaggio metaforico attraverso una serie di identità possibili e mai definitive per ricordare, ancora una volta, che l’arte è per il superamento delle diversità e per l’accettazione delle differenze.

Maria José Arjona (Bogotà, 1973), vive e lavora a New York.

È tra le artiste latino americane più rappresentative, ha realizzato performance in prestigiose istituzioni in Europa, negli Stati Uniti e nell’America Latina, tra cui: al Museum of Modern And Contemporary Art di Rijeka/Croatia; al Museo Del Banco De La Republica/di Bogota/Colombia, al The Ballroom Marfa di New York/USA; All’Abramovic Studio At Location One di New York/USA; al Museum of Contemporary Art di Medellin/Colombia; al Museo Madre di Napoli /Italia, all’ Haus Der Kulturen Der Welt di Berlino/Germania e alla Terza Triennale di Guangzhou, in Cina. Ha inoltre partecipato alla riproposizione delle performance di Marina Abramovic al Museum of Modern Art (MoMA) di New York/USA e al programma di residenza del Watermill Center di New York/USA.

Corpus. Arte in Azione III edizione: la scena italiana

CORPUS.ARTE IN AZIONE

 La scena italiana

a cura di Adriana Rispoli | Eugenio Viola

Museo Madre, Napoli

07.12.11 | 28.03.12

Corpus. Arte in Azione è una rassegna che indaga l’utilizzo della performance come mezzo di espressione privilegiato. Sinestetica e partecipativa, la performance si conferma oggi uno degli ambiti più proficui della sperimentazione artistica, all’incrocio di diversi linguaggi: teatro, installazione, cinema, musica, arte visiva, danza, culture popolari.

Ponendosi all’incrocio di pubblici e saperi diversi, la performance è da tempo entrata con pervasività nella vita pubblica e privata di ognuno di noi. È anzi la sua contiguità col quotidiano che la rende campo particolarmente fertile e produttivo: non è un caso che una performatività “diffusa” informi oggi il linguaggio dei media come quello dello spettacolo e la stessa politica.

Le prime due edizioni di Corpus. Arte in Azione hanno indagato i territori della cosiddetta Body Art estrema, le proficue tangenze con la musica underground e le ricerche delle artiste latinoamericane.

L’edizione del 2011 di Corpus propone invece un focus sulla scena italiana. Una serie di artisti che si esprimono, prevalentemente, ma non solo, con la performance: Davide Balliano (Torino 1983), Filippo Berta (Bergamo 1977), Cristian Chironi (Nuoro 1974), Francesca Grilli (Bologna 1978), Jacopo Miliani (Firenze 1978), Luigi Presicce (Lecce 1976), Rosy Rox (Napoli 1976). Artisti diversi, tesi a rielaborare l’eterogeneità del vissuto e ad eliminare ogni slancio utopico dall'atto performativo, contestualizzandolo storicamente e culturalmente, ambendo, attraverso le rispettive sensibilità e poetiche, a indagare gli esiti, compositi, e l’eredità della performing art.

Andreja Kulunčić. Are you Optimistic about the Future?

Andreja Kulunčić

SEI OTTIMISTA SUL FUTURO?

 a cura di Radmila Iva Jankovic | Adriana Rispoli | Eugenio Viola

 Museo Madre, Napoli

19.12.11 | 27.02.12

L’esplorazione di nuovi modelli di incontro sociale e di comunicazione, l’interesse per temi sociali, il confronto con pubblici diversi e la collaborazione a progetti collettivi, sono le caratteristiche del modus operandi dell’artista croata Andreja Kuluncic. Partendo dal suo network multidisciplinare, e concependo l’opera d’arte come una ricerca, un processo di cooperazione e di auto-organizzazione, l’artista prevede una partecipazione attiva del pubblico per completare il lavoro. Attraverso metodologie semplici, “trappole” discrete che emulano, e sornionamente, si inseriscono nella quotidianità dei media, l’artista mira a riesaminare il nostro rapporto con gli altri, ed in definitiva ad attivare un sentimento di responsabilità.

Index.donne, progetto site-specific per la città di Napoli, è un lavoro partecipativo nel quale l'artista riccorre a strategie virali utilizzando mezzi popolari di mainstream per raggiungere il pubblico desiderato, ed è - in definitiva - un invito alle donne a prendere coscienza, a definire la propria posizione all'interno del contesto familiare e sociale

Il video Ricostruzione Di Un Giorno Non Importante Della Nostra Storia, ricostruisce un giorno di riposo di Josip Broz Tito al Palazzo Tikves. Tito, da cacciatore appassionato, spesso trascorreva i suoi giorni al Castello di Tikves, solo o con la moglie Jovanka, nonchè con noti uomini di stato stranieri. Il Castello di Tikves fu costruito nell’Ottocento e adibito a residenza di caccia in cui soggiornavano abitualmente i membri della famiglia Asburgo. Il castello è situato nel parco naturale Kopacki Rit, nella Croazia orientale, vicino alla frontiera tra Croazia e Serbia.

JOSIP BROZ TITO (1892 - 1980) • Capo di stato della ex Jugoslavia e capo del partito Comunista Jugoslavo (KpJ). Organizzatore e con- dottiero della guerra di liberazione 1941-1945. presidente intangi- bile della Repubblica Socialista Federale di Jugoslavia (SFRJ) per 35 anni, dal 1945 fino alla sua morte, avvenuta nel 1980.

Il video Ricostruzione Di Un Giorno Importante Della Nostra Storia ricostruisce l’incontro tra due presidenti, quello croato, Franjo Tuman, e quello serbo, Slobodan Milosevic. L’incontro avvenne il 15 aprile 1991 nel Castello Tikves.

I primi scontri armati in Slavonia (Croazia) scoppiarono agli inizi del mese di maggio del 1991, 15 o 20 giorni dopo la ricostru zione di questo incontro. La guerra raggiunse Tikves agli inizi di settembre. Il castello durante l’occupazione divenne la base operativa del gruppo paramilitare serbo noto come “Le tigri di Arkan”.

FRANJO TUMAN (1922 – 1999) • Vinse le prime elezioni del post-comunismo in Croazia e nel 1991 divenne il primo presidente della Repubblica di Croazia. Rimase al governo fino al 1999, anno della sua morte.

SLOBODAN MILOSEVIC (1941 – 2006) • Presidente della Serbia dal 1989 al 1997. Fu presidente della Repubblica Federale di Jugo slavia dal 1997 al 2000. Morì nel 2006 nel carcere della Corte penale dell’Aia, dove era stato processato per crimini di guerra contro l’umanità, commessi nei territori della ex Jugoslavia.

 GIUSTIZIA DISTRIBUTIVA

2001 - 2012

Progetto multidisciplinare • http://www.distributive-justice.com •

a u t o r i : Andreja Kuluncic (artista visuale e la titolare del progetto) •

c o - a u t o r i : Gabrijela Sabol (sociologa), Ivo Martinovic (fotografia e video), Neven Petrovic (filosofo), Matija Puzar (software), Dejan Jankovic (design), Trudy Lane (design), Momo Kuzmanovic (editore della brossura e del catalogo). • partecipanti: Tomislav Janovic (filosofo)

L’equa distribuzione dei beni non e' solo un grande tema della filosofia morale e politica, ma e' anche soggetto privi- legiato delle concezioni sulla morale del cosiddetto “senso comune”. Tutti sono sensibili alla propria parte nel bene comune. Anche coloro ai quali e' spettata la maggior parte del bene comune sentono il bisogno di giustificare (oppure negare) l’attuale modello distributivo (“Non ha importanza un caso isolato, quello che e' im- portante e'  il principio”).

E'  interessante notare come la maggior parte della gente senta il proprio stato sociale come “ingiusto”, orientandosi verso certi principi intuitivi inerenti la giusta distribuzione.

Il progetto multidisciplinare Giustizia distributiva e'  stato creato da professionisti di varie discipline (arte, filosofia, sociologia, in- gegneria software, fotografia e design) e tratta il tema della distri- buzione dei beni comuni nella comunità. Si compone di due parti: la prima e'  composta da un gioco virtuale destinato ai visitatori,

cui si chiede di svolgere la distribuzione dei beni materiali e non- materiali creando una “società” in dinamico cambiamento, mentre i risultati del gioco sulla distribuzione si pongono in relazione con particolari “modelli” di società. La seconda parte e'  costituita dall’installazione in mostra, una “postazione di lavoro” che serve da punto di raccordo dove le diverse attivita'  si integrano (lezioni, discorsi, discussioni) con la presentazione del materiale già  svolto e in procinto di svolgersi, quale risultato delle parti virtuali, pratiche e teoriche del progetto.

Il materiale cresce e cambia la sua fisionomia mostra dopo mostra. Vari paesi sono inclusi nel progetto, ognuno lascia la propria “traccia” che diventa parte integrante della mostra. In questo modo si crea uno spazio attivo entro il quale i visitatori che partecipano al progetto leggono i materiali, ascoltano le lezioni, parlano, discutono, rispondono a questionari, “surfano”, stampano i relativi risultati personalizzati dal database, registrano le dichiarazioni dal web o dal video. I paesi sinora coinvolti nel progetto sono: Italia, Germania, Austria, Australia, Croazia, America, Turchia, Slovenia e Corea del Sud. [T. Janovic]

Francesco Jodice. Babel

FRANCESCO JODICE

BABEL

 a cura di Radmila Iva Jankovic, Adriana Rispoli, Eugenio Viola

Museum of Contemporary Art of Zagreb

23.11.11 | 03.12.11

Il 23 novembre inaugura presso il Museo d'Arte Contemporanea (MSU) di Zagabria Babel, progetto di Francesco Jodice a cura di Radmila Iva Jankovic, Adriana Rispoli | Eugenio Viola e realizzato in collaborazione con il museo MADRE di Napoli e con il supporto dell’Istituto Italiano di Cultura di Zagabria e del Dipartimento per l’Educazione, la Cultura e lo Sport di Zagabria. Nell’ambito di tale collaborazione il MADRE presenterà dal 19 dicembre 2011 al 7 febbraio 2012 la mostra dell’artista croata Andreja Kulun?i?.

Babel trasforma l’ampia facciata multimediale (400mq) del museo croato in un blog a cielo aperto, in un dispositivo di interfaccia sociale che permette ai cittadini di Zagabria di esprimere pubblicamente intenzioni, strategie, volontà, dissensi, desideri e intolleranze inerenti la loro città e le criticità politiche, economiche e sociali ad essa connesse. Il blog è attivato tramite diversi meccanismi di ricezione che raccolgono le opinioni dei cittadini sui temi più disparati inerenti la loro comunità.

La facciata/schermo diventa lo specchio temporaneo, il termometro del sentire urbano che da individuale diventa collettivo restituendo, per 10 giorni, come una agenzia di stampa, la cronologia di questa discussione. Servendosi della potenzialità virale dei social network e strumentalizzando la liberalità anarcoide dei blog, Francesco Jodice piega la dimensione spazio temporale di questo canale di comunicazione ad un progetto artistico con l'obiettivo di segnalare in tempo reale, e in scala monumentale, gli umori e le forze entropiche di una città in transizione come Zagabria.

Da sempre Jodice indaga le metropoli in maniera quasi entomologica, concentrando il suo lavoro sull’analisi dei nuovi rapporti fra comportamento sociale e paesaggio urbano nei diversi ambiti geografici.

Per interagire con Babel:

babel-zagreb.blog.hr

e-mail: babel@msu.hr

sms 099 849 5532

Fb Babel Zagreb

Alle ore 18:30 sarà proiettato nella sala Gorgone del MSU il film documentario di Francesco Jodice DUBAI _CITYTELLERS (film, HD, 57' 45", 2009) . Il film ha come soggetto il più famoso caso di neourbanismo contemporaneo. Una metropoli costruita e progettata come una cattedrale nel deserto che ha vissuto in pochissimi anni un'insostenibile espansione economica sfociata nella recente crisi. Le immagini ritraggono le ambiguità di una tale atmosfera: da un lato le corse di cammelli per cui venivano sfruttati e torturati i bambini-fantini oggi sostituiti da robot umanoidi, dall'altro la condizione di new slavery alla quale sono sottoposti migliaia di lavoratori indiani, pakistani e bangladesi.

Si ringraziano:

Istituto Italiano di Cultura di Zagabria e del Dipartimento per l’Educazione, la Cultura e lo Sport di Zagabria

Assistenti del progetto: Simone Santilli (Studio Jodice) e Vladimir Tatomir (MSU)

Designer del progetto: Silvia Sarvese

Orlan aaka Orlan

ORLAN AAKA ORLAN

a cura di Eugenio Viola

Opening / giovedì 18 novembre 2010 / ore 19 / MILANO

Opening / sabato 20 novembre 2010 / ore 19 / LUCCA

Fino all’8 gennaio 2011

prometeogallery di Ida Pisani, Milano 18.11.10 | 08.01.11

Chiesa di S. Matteo, Lucca 20.11.10 | 08.01.11

Prometeogallery di Ida Pisani inaugura, giovedì 18 novembre nella sede milanese di via Ventura e sabato 20 nella Chiesa di San Matteo a Lucca, ORLAN AAKA ORLAN a cura di Eugenio Viola.

Le questioni sull’identità, i tabù relativi l’apertura del corpo, i miti infranti di una femminilità dispersa, la sfera del pubblico e del privato, i limiti dell’arte, del linguaggio e della vita sono chiamati simultaneamente in causa dall’opera di ORLAN.

Corpo reale e corpo immaginario, corpo vissuto e corpo emozionale, corpo mistico e corpo sociale, corpo diffuso e corpo ibridato si fondono in un gioco di rimandi e auto-citazioni, dove il presente dell’opera dell’artista riattualizza e ingloba sempre il proprio passato, reintegrandolo come elemento modulabile e declinabile all’infinito. Espressione di questo modus operandi è The Harlequin’s Coat, ultima operazione performance di ORLAN che segna il passaggio dall’utilizzo della chirurgia a quello delle biotecnologie come nuovo medium da esplorare. Esposte per la prima volta in assoluto nella sede milanese della galleria, una serie di foto di un lavoro iniziato nel 2007 in collaborazione col collettivo australiano dei SymbioticA e ancora in progress. L’artista ha messo in coltura alcune cellule della sua pelle, ibridate con quelle di persone di diverse razze al fine di ottenere brandelli dermici di colori differenti, per poi cucire un “mantello di Arlecchino” organico e senziente, che diviene metafora del métissage della società contemporanea in ossequio a quanto sostiene Michel Serres in Laïcité, prefazione a Le Tiers instruit, libro sul quale ORLAN aveva già costruito la sua quinta operazione chirurgica performance: Opération-opéra, che introduce come ante quem il progetto presentato.

Negli spazi della chiesa di San Matteo ORLAN – già di per sé uno pseudonimo che si è fuso indistintamente con la propria persona – si confronta con Santa ORLAN, provocatorio alter-ego che richiama l’Estasi di Santa Teresa del Bernini, opera paradigmatica del barocco romano post-tridentino, della quale l’artista enfatizza il connubio di tensione spirituale, carica emotiva e sensualità iniziando un lungo percorso artistico-esistenziale di rilettura dell’iconografia sacra occidentale. Un recupero irriverente, blasfemo e iconoclasta della sottile carica eversiva latente nella poetica barocca e amplificato nella successiva Ré-incarnation de Sainte ORLAN, dove l’artista defunzionalizza la chirurgia estetica impiegandola al di fuori della legittimità medica come mezzo di trasformazione di e del Sé ma innanzitutto come strumento di produzione di opere. La provocazione della carne e il rovescio del corpo cedono infine il passo all’ennesimo alter ego di ORLAN: AAKA, espressione estrema di un nomadismo identitario costantemente sospeso tra reale e virtuale, sintomatico dell’evoluzione pluridimensionale e multimediale che caratterizza, da diversi anni, la ricerca di ORLAN.

Dal 1964 ORLAN inizia a utilizzare fotografia, video, installazione, performance, scultura. Nel 1977 la sua performance Le Baiser de l’Artiste alla FIAC di Parigi fa scandalo. Nel 1978 fonda il “Simposio Internazionale della performance di Lione”. Nel 1982 ORLAN lancia Art-Accès Revue, la prima rivista di creazione contemporanea sul Minitel, antenato francese di internet. Dal 1990 al 1993 mette in scena 9 operazioni chirurgiche performance, in Europa e negli Stati Uniti. Dal 1998 inizia le serie delle Self-Hybridizations. Nel 2007 a seguito di una residenza presso il laboratorio artistico dei SymbioticA in Australia inizia a lavorare con la coltura cellulare.

ORLAN ha partecipato a mostre negli Stati Uniti (MOCA e LACMA a Los Angeles, PS1 a New York, Bass Museum a Miami, Milred Kemper Art Museum a St Louis), in Italia (Palazzo Strozzi a Firenze, P.A.C. a Milano, Palazzo delle Esposizioni a Roma, Palazzo Grassi a Venezia, Museo Madre a Napoli), in Francia (Centre G. Pompidou, Centre National de la Photographie, Palais de Tokyo, Maison européenne de la Photographie), in Germania (Kunst Museum di Ahlen), in Austria (Kunsthalle e MAK a Vienna), in Lussemburgo (Casino de Luxembourg), in Svizzera (Musée de l’Elysée a Losanna), in Spagna (Fondation Mirò a Barcellona, Museo d’arte Contemporanea di Vittoria, Centro della Fotografia dell’Università di Salamanca), in Russia (Maison de la Photographie a Mosca), in Asia (Museo d’Arte Contemporanea a Seoul, Corea del Sud, The National Museum of Art a Osaka, Giappone).

Ha partecipato a diverse Biennali d’Arte Contemporanea: Parigi, Lione, Venezia, Istanbul, Sydney, Poznan e Busan. Sue opere sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private in Europa, negli Stati Uniti e in Asia.

Eugenio Viola ha curato Le Récit, la grande retrospettiva dedicata a ORLAN dal Musée d’Art Moderne di Saint-Etienne Métropole, in Francia, nel 2007, l’omonima monografia (Le Récit, Ed. Charta) e ORLAN: Post-Identity Strategies, alla Kunsthalle di Tallinn, Estonia, nel 2008.

Transit 4: Eugenio Tibaldi | Dimitri Kotsaras, Jennifer Nelson

TRANSIT-4

a cura di Adriana Rispoli, Eugenio Viola, Katerina Gregos

Museo Madre, Napoli 26.05.10 | 13.09.10

State Museum of Contemporary Art, Salonicco 15.12.10 – 15.11.11

Transit 4 è quarta ed ultima tappa dell’omonimo progetto che connette giovani artisti napoletani con artisti provenienti da città del bacino mediorientale. Dopo l’esperienza al Cairo, Istanbul e Tel Aviv il Madre si gemella questa volta con Salonicco attraverso il lavoro di Eugenio Tibaldi e del duo greco Dimitri Kotsaras e Jennifer Nelson.

Il progetto, come già sperimentato nelle precedenti tappe, si struttura in due tempi e due spazi diversi: la prima nella Project Room del Museo Madre dal 26 Maggio al 13 Settembre e la seconda nello State Museum of Contemporary Art di Salonicco dal 27 Ottobre al 30 Novembre.

Esistono città che hanno destini incrociati, luoghi posti al centro di delicati equilibri storici e politici a causa della strategica posizione geografica. È questo il caso di Napoli e Salonicco, entrambe crocevia di popoli e di culture, città liminali, l’una soglia sui Balcani, snodo storico tra oriente e occidente, l’altra ultima città europea e prima città mediterranea. Partendo da questi elementi Tibaldi organizza un palinsesto visivo che aggrega i vari materiali prelevati dalla realtà urbana delle due città per produrne un corpo unico, disegno finale di un percorso, di una consapevole e lucida esperienza. Una barca bicefala, frutto dell’ibridazione tra le tradizionali imbarcazioni delle due città: il trechandiri greco (ma di origine ottomana) e il gozzo napoletano, diviene lo starting point della sua ricerca socio-antropologica sulle rispettive realtà. Una “macchina celibe” la cui doppia prua, impedendone il movimento, diviene metafora della loro storia e dei loro destini. La stessa visione sincretico-sintetica investe la veduta delle due città che si fonde in un panopticon, in cui l’artista ricostruisce un immaginario skyline delle linee costiere di Napoli e Salonicco unite senza soluzione di continuità dal porto, “inteso come architettura del destino per entrambe le città: fonte inesauribile di influenze culturali e campo libero per le battaglie di conquista. Il porto come linea ipotetica in cui si fonda, e contemporaneamente si infrange, il sogno di allargamento culturale e sociale della città” (E.Tibaldi).

Il materiale di recupero, la decontestualizzazione degli oggetti di turno, i segni del quotidiano che rivelano e sottolineano tutti quei sintomi selvaggi e primitivi che qualificano l’hinterland del mondo, in cui a condurre il gioco è la presenza rettificatrice e degenerante dell’uomo, sono gli elementi che caratterizzano la ricerca di Kotsaras e Nelson. I due artisti propongono un’azione poetico-dimostrativa che analizza le conseguenze dell’inquinamento e muove una critica sottile e paradossale all’odierna società anestetizzata dei consumi. Una performance tra il serio e il faceto adombra la catastrofe ambientale che quotidianamente portiamo avanti con grande superficialità nelle nostre vite casalinghe, un’azione le cui tracce residuali si accumulano progressivamente nello spazio della Project Room. Gli artisti tentano di lasciare una traccia, un indizio per chi verrà, che tocca una dimensione psicologica, un’istanza che si fa etica e politica. L’opera diviene in questo modo un accadimento, una forma di riscatto che dà voce all’ineffabile, rende tangibile l’invisibile, invita a prendere parte a un processo di creazione di senso ponendosi oltre la rappresentazione.

La performance di Dimitri Kotsaras e Jennifer Nelson inizierà nel II cortile del Museo MADRE alle ore 20.

Moio& Sivelli. Naked Lunch

SPOT 4 | NAKED LUNCH

Moio&Sivelli

 a cura di Adriana Rispoli | Eugenio Viola

Museo Madre, Napoli

11.12.10 | 24.01.11

Sabato 11 Dicembre alle ore 19.00 si inaugura nella Project Room del Museo Madre, con la performance Naked Lunch di Moio&Sivelli, la quarta mostra della serie SPOT, curata da Adriana Rispoli ed Eugenio Viola. ''Il Pasto nudo è l'attimo raggelato in cui ognuno vede quello che c'è in cima alla forchetta.'' Così Jack Kerouac spiegava il motivo del titolo dato da lui stesso al delirante romanzo cut-up di William Burroughs, trasposto poi cinematograficamente negli anni Novanta da David Cronenberg; e il cui titolo è preso in prestito in maniera irreverente da Moio&Sivelli per la loro performance al Madre, dove l’ingombrante riferimento si risolve in una rappresentazione dov'è caduta ogni barriera tra finzione e realtà, giocata sul filo di una ironia livida, che può scadere, in maniera compiaciuta, nel grottesco.

Disincantata, cinica e decadente, l’arte oggi brucia i luoghi comuni, si manifesta nello sguardo irridente, nella relazione fra autore sornione e pubblico diffidente. In Naked Lunch, Moio&Sivelli propongono un’estetica disturbante e grottesca, un vero e proprio pasto nudo che lascerà attoniti e probabilmente irritati gli astanti, una volta che doppi sensi e riferimenti celati inizieranno a palesarsi.

Corpus. Arte in Azione II edizione: artiste dal continente latino-americano

CORPUS.ARTE IN AZIONE

Artiste dal continente latino-americano

a cura di Adriana Rispoli | Eugenio Viola

Museo Madre, Napoli

07.06.10 | 26.06.10

Ripartire dal corpo, renderlo sintomo e traccia sospesa tra azione politica ed elaborazione estetica, iniziativa individuale e partecipazione collettiva, democrazia e terrore, sacro e profano, lecito e illecito, legittimo e illegittimo. Il 7 giugno inaugura negli spazi del Museo Madre la seconda edizione di Corpus. Arte in azione che si protrarrà fino al 26 giugno. La rassegna di performance, a cura di Adriana Rispoli | Eugenio Viola, è frutto della collaborazione con il Napoli Teatro Festival Italia, avviata l’anno scorso con l’intento di approfondire la relazione tra la pratica artistica contemporanea e le sperimentazioni teatrali più radicali.

Interamente declinata al femminile, questa edizione di Corpus offre un focus sull’America Latina attraverso il lavoro di quattro artiste, Teresa Margolles, Tania Bruguera, Regina Josè Galindo e Maria Josè Arjona, cui si affiancano la croata Xena Zupanic diretta da Sebastiano Deva e la napoletana MaraM. Sei esperienze di donne che attraverso il gesto e l’azione esprimono logiche operative, ipotesi progettuali, poetiche e sensibilità differenti, dove il corpo si fa segno con cui affrontare le domande sull’identità, i miti infranti di una femminilità dispersa, la sfera del pubblico e quella del privato. Sei azioni svincolate dall’eredità della Body Art storica che mettono in atto pratiche di resistenza sociale e di opposizione politica senza mai cadere nella mera retorica ideologica, accomunate dal tentativo di rintracciare le fila di un discorso che lega arte e vita, tese a rielaborare l’eterogeneità dell’esperienza vissuta, a riconfigurare ambiti e territori della performance a cavallo tra i due millenni.

Donatella Di Cicco. Molto visibile segretamente nascosto

Transit 3: Raffaella Crispino | Eden Bannet

TRANSIT-3

a cura di Adriana Rispoli| Eugenio Viola| Maayan Sheleff

Museo Madre, Napoli 23.10.09 | 30.11.09

CCA – The Center for Contemporary Art, Tel Aviv, 10.10.09 | 30.01.10

Transit 3 è la terza tappa dell’omonimo progetto che connette giovani artisti napoletani con artisti provenienti da città del bacino mediorientale. Dopo l’esperienza al Cairo e ad Istanbul (dove Transit 2 è visitabile fino al 9 novembre negli spazi di PiST///), il Madre si gemella con Tel Aviv attraverso il lavoro della napoletana Raffaella Crispino e dell’ israeliana Eden Bannet.

Come già sperimentato, il progetto si struttura in due tempi e due spazi diversi: la prima tappa nella Project Room del Museo Madre dal 23 Ottobre al 30 Novembre, la seconda al CCA di Tel Aviv dal 10 dicembre al 30 gennaio 2010.

Seppur con linguaggi ed estetiche diverse, l’occhio “voyeuristico” delle due artiste evidenzia una serie di contraddizioni che accomunano le due città mediterranee: sacro e profano, joie de vivre e fascinazione per il senso della morte, povertà e ricchezza, antico e moderno.

Bannet interpreta in maniera ironica il ruolo di “artista-turista”, dotato di occhio critico e del distacco necessario per cogliere contraddizioni e fascinazioni di realtà lontane. Introduce nel suo straniante modus operandi con The Beginning: The Artist is born in her Hotel Room, un video realizzato prima ancora di conoscere la città nel quale l’artista “assapora” il caos partenopeo dall’interno: la sua camera d’albergo diviene incubatrice delle proprie attese. Luminosa, a tratti surreale, la stanza non è altro che un contenitore di significati passeggeri. Un “contenitore” alla stregua del museo che si carica di significato attraverso il “transito” dell’artista. Una strategia smaterializzante il cui contraltare materico sono i frottage dei tombini che tempestano le strade di Napoli, frutto di una serie di “performance quotidiane” dell’artista nelle strade cittadine. Il tombino da simbolo del degrado socio- urbanistico diviene botola / diaframma / accesso misterioso ad un'altra città, caricandosi di valenze estetiche inaspettate. La stratificazione di Napoli, frutto della sua storia millenaria, è uno degli aspetti di maggiore fascinazione per l’artista israeliana che instaura un rapporto viscerale con i suoi abitanti e con il sottosuolo, così denso di intrighi e misteri.

Interessata al significato intrinseco dei materiali e alla storia “nascosta” degli oggetti, Bannet crea sculture con objet trouvé che attivano una osmosi tra la vita caotica della città e l’apollinea tranquillità della struttura museale: l’Artemide di Efeso del vicino Museo Archeologico è trasformata in una installazione precaria e ironica.

Diversamente, Raffaella Crispino rintraccia la compresenza di elementi contrastanti in un delicato affresco desaturato. La luce abbagliante del Sud che si alterna ai flash dei turisti al Santo Sepolcro e allo scintillio dei tessuti nelle strade di Tel Aviv, diviene il filo conduttore di un racconto per immagini di grande suggestione. “Abbaglio fisico e culturale” (R.C.) in una città che sembra vivere intensamente ogni momento, in cui la fiera gioventù - quasi dei balilla - si allena sulle spiagge, mentre non lontano la fila al check-point ci catapulta in una dimensione completamente diversa. Spira, complice l’uso sapiente delle inquadrature e di un b/n fortemente chiaroscurato, una atmosfera di sospensione, di attesa, di una atemporalità memore del migliore cinema italiano. Accompagnati prima dalle note di “The voice of Peace”, stazione radio che dal 1973 al 1993 trasmetteva da una barca al largo di Tel Aviv, e poi da un suono cupo, inquietante e profondo - manipolazione del jingle di quella stessa stazione - il video restituisce la sensazione, a tratti angosciante, che può dare un soggiorno in Terra Santa, in cui il rumore degli elicotteri si alterna a quello dei ventilatori nei locali per turisti, la santità di Gerusalemme alla cicatrice del muro di Betlemme che separa Israele e Palestina. Completa l’installazione dell’artista una serie di disegni di oggetti le cui misure sono riportate come in una catalogazione militare, testimonianza delle cose che i Palestinesi portano con sé attraverso i “gate-cage” (R.C), gli angusti varchi dei check-point che collegano i due paesi.